Interview:Doldrums (Revisited)

Airick Woodhead of Doldrums is some sort of a strange man, and he knows that it is a compliment. When I first heard of his music on Daytrotter Sessions, he reminded me of Atlas Sound a bit. But the colour of winter and the crispy aroma of burnt wood that arose from his electronic beats, had something completely different from any modern solo artists. I became very, very interested in this man.

In the interview, he talked about what he would have become if he weren't a musician, his early live shows in front of the Coldplay gigs, his appearance on Portishead single, and what the concept of band means to him.

This interview was originally contributed to a Japanese music website called Private Dub in December last year. I had to censor a part of his answers since it seemed a bit too provocative at the time. So it is a full version of the interview. Enjoy!
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So who are you? You say you reside in internet?

my name is airick woodhead. i am a 22 year old boy who makes music. i call my music doldrums and people on the internet like it.

How did your music carreer start? Was there a defining moment?

I've been playing since i was 9 or 10. my first gig was playing cello at a canadian folk festival with my friend liam titcomb. afterwards he tried to compensate me with $5, which i politely declined. he told me not to be so humble and forced the crinkly blue $5 into my hand. it was a real game changer for me. i think the doldrums started by having a impromptu drum jam outside of coldplay show in toronto, and then again outside of a 500,000 capacity great big sea show in ottawa. it was raining and there was a huge crowd around us, just singing and banging on shit.

You seem to be intercommunicating between the world of analog and digital, releasing VHS mixtaps and creating band websites in different guise. What's the fascination about it?

what is a band? its a name you assign to make a bunch of people playing music together a product, but usually has this connotation of a bunch of people just BEING THEMSELVES. fuck that! i want to create a fantasy reality if i was into making products i would work at ikea.



in electronic music there has always been this faceless producer aesthetic - the majority of people don't know or care who made what they're dancing to and why should they? the point is that its a real culture, one of the only ways in which we can get together in any viscerally or spiritual context in this agnostic consumer culture. companies and egotistical artists will do everything they can to make it about selling something, and the internet has allowed me to actually get my music out there without having to deal with that bullshit. i make up bands and crap because its a fun way to present my music, it kind of points to some of the problems with the old model of music culture. that was two years ago. now i'm focused on doldrums because it's taking on more of real existense - i didn't think i'd be touring so much or doing proper releases, but now that i am it feels great, and i'm stoked that people are still getting the vibe that this isn't a real band. hehe.

Amongst the other pseudonyms, you have decided to take "Doldrums" moniker, which idea was taken from the children's book "The Phantom Tollbooth".Why is that, and how does it relate to your music?

ah because my music has, you know, drums.



What do you mainly write about? It seems "Empire Sound EP" is dealing with a lot of paranoiac nature of the youth, or the sense of social stagnation, such was heard on "Endless Winter" or "I'm Homesick Sitting Up Here In My Satellite".

endless winter is about finding something personal, something in your life, that made all the spectacle of modern living seems impertinent and unreal, and so you're just staying in your bubble with someone you love. when i wrote it thats what i wanted more than anything in the world, and didn't have it, was still looking. it could be love or it could be a calling or anything. i write about things that i think are too vague for real discussion, which is why the music is equally as important in evoking the feelings. 'social stagnation', yes . . . 'paranoiac nature' of youth, yes . . . hey you read my bio didn't you! my music is about the living in an increasingly alienating modern society.

How old are the songs on the EP? The first time I heard your music was on Daytrotter and you have done many songs from the record.

i don't know . . .1 - 2 years old i think.

Are you planning to release a full-length soon?

yes, it'll be done by the new year i think. probably out in the world in the spring (the people upstairs have convinced me not to just post everything as soon as i make it!)

The cover version of Portishead's "Chase the Tear" was released as their B-side single.How did it come about? How do you feel about it?

man, they heard my cover when i guess they were just googling themselves or something, and they called me up out of nowhere and said, 'hey! we want to put this on the record". i couldn't believe it, obviously i'm a huge fan and to get that kind of a thumbs up from them means a lot to me.



Now the year is ending, could you tell us the 5 records you enjoyed listening to this year?

the chemical brothers - hana soundtrack
atari teenage riot - delete yourself
nine inch nails - ghosts
my bloody valentine - loveless
blue hawaii - blooming summer

If you weren't creating music, what would you be doing?

running a blackmarket operation out of Chernobyl selling irradiated car parts to tourists

Finally, summer or winter?

endless winter :)



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Interview: James Vincent McMorrow(Revisited)

The following interview was originally published on a Japanese music blog called Private Dub in March this year.

When I first listened to James Vincent McMorrow, it was when he appeared on  Daytrotter Sessions last summer. Around the same time, I started to send many artists a request for an interview for Private Dub. I was totally over the moon when he agreed to do an interview. I thought, "Finally a chance to introduce a brilliant SSW from Ireland to JAPAN!"

Some months and some prodding later (8 months, to be precise), he finally replied saying "I was inspired to write tonight."

And now that 5 months has passed since it was first published, it's time to revisit the interview back in English.

Can you describe yourself to our readers, who may not know much about you?

my name is James Vincent McMorrow, i am a writer of words and a singer of songs, i play music that is loud and quiet in equal measure.

What's your inspiration in writing songs?

everything, anything, i have no clue really, i've never seen something on the television and felt compelled to write a song about it, nothing i do is that reactive or literal, i write in a really abstract fashion and everything is wrapped up in layers of imagery and metaphor, so whatever happens to be inspiring me at that moment is amongst those layers somewhere.

Which lyric are you proudest of writing?

I'm proud of everything i write, but i think i'm most proud of "down the burning ropes', it was the first and only time i've ever sat down with a pen and paper and written a full song from start to finish, lyrics, melody and chords, in about 30 minutes. After i wrote it i tried to repeat the process but it's never worked, the song is a total anomaly.

Originally raised in a punk scene, what made a shift to your current musical aesthetic?

I don't think i have shifted, i mean i never wrote punk or post hardcore music, i just listened to it, and i still do. I never wanted to make that kind of music, i listen to countless other styles of music, i grew up listening to hip hop, i was fascinated by the production, how the songs were put together, that's what led me to learning how to record my own music. When it came to writing my own songs i always knew what i wanted them to sound and feel like, that's never changed.



When did you discover your singing voice? Are you comfortable with it now?

I don't think i ever 'discovered' it necessarily, i was always singing, mostly by myself in my bedroom, i didn't sound like i do now, but i had an idea that if i kept at it, if i kept sitting in front of the piano trying to hit notes, listening to other singers and trying to hear what they were doing, then i'd be able to find my own voice through all that. So it kind of revealed itself to me little by little over time. I think i am pretty comfortable with it now, touring so relentlessly the last 2 years has really changed it, i think i have a better understanding of it now than ever before, and every day it feels as though it's changing and getting stronger, which is really exciting as a musician, thats how it should be, things should never be static.

I heard that the songs on "Early In the Morning" were recorded in an isolated house by the sea. What was the incentive to go hiatus there and make a record on your own?

There was no plan, i wanted to make an album, i don't like studios because they can be so cold and clinical, and i write and arrange while i record, which can take a lot of time, so having no money at the time, a proper studio was never going to work for me. At that point i'd have taken anywhere that was offered to me, all i wanted was somewhere quiet where i could make noise. If it had been in downtown brooklyn i'd have made the record there, i had no real desire to be in such isolation, or make a record in such close proximity to nature, that's just how it worked out. What i didn't realize going into it was how much the location would affect the tone and feel of the songs and the album, that's why i talked about it in interviews, the environment and the album itself ended up being totally linked. All the myth that gets added to the story over time kind of makes me laugh when i read it, people talking about cabins in the woods and things like that, it never was a cabin, it was just a simple and lovely house, one i will remember fondly for the rest of my days.



Can you give a little insight to a song "We Don't Eat"?

not really! Not trying to sound overly awkward or anything, I simply don't like to speak about the meaning behind songs, i think that defeats the purpose a little. A write songs for myself, but they're for others to listen to, obviously they come from a personal place, but whats more important to me is what the people listening are getting from them. If i was to define everything i've ever written, why i wrote it, what it's about, then it would to my mind lessen peoples experience with the song, what it might mean to them, or what they might hear in it..... I know i'm totally overthinking this, it's just always something i've felt strongly about it!

What do you normally do "early in the morning"?

Nothing out of the ordinary, i used to not be a morning person, the majority of my life was lived long after the sun went down, but since i've been touring and traveling that's all changed, i'm up most days just as the sun is rising, or not long afterwards. I love the mornings now, if i'm home in Dublin (which is rare), i like to go for walks along the canal near my house.

Can you recommend us a good movie to watch in Spring?

Hmmmmm, i'm trying to think of a movie that is in someway related to the spring, i guess something to do with flowers blooming or rebirth? Nah, just go watch the Big Lebowski, that movie is good for all seasons.

Which album are you most looking forward to in 2012?

the new Beach House record, i think it's going to be something incredible, every album has been a huge step forward for them, their sound is just becoming so singular and lush, and the songs are incredible.
Also the new Fiona Apple album, assuming it comes out this year, she is a big hero of mine, her albums were such a huge inspiration to me when i was just starting out.

Finally, what can we expect from James Vincent McMorrow this year?

I'm writing at the moment, i hope to record a new record this year, i'm incredibly excited by the new songs and the direction they're moving in. But i also have a lot of shows still to play, the first album is only just coming out in Australia, so i'll go over there, and then we're into festival season, which won't be as relentless as last year, but will still be fairly frantic! Being back in the studio is how i see most of the year unfolding now though, since i've been home i've been in there constantly, i forgot how much i loved just sitting in a room creating sounds out of thin air.



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Fiona Apple (Part II)

Fiona Apple Interview
By Carrie Battan
June 4, 2012
Illustration by Kareena Zerefos

Part IIをお届けします。Part Iはこちら。

Pitchfork: 現時点であなたは34歳で、ステージではティーンエイジャーの時や20代当初に書いた、かなり常軌に逸した曲を歌っています。それら過去の曲にまだ共感する部分はあるのでしょうか？

Fiona Apple: このアルバムの制作時に気がついた。私が怒って傷ついていた時にああいう曲を書くことで自分をボロボロにしていたんだって。今は生活のために、毎回そういう記憶を焼き直さなければならない。曲が始まってしまうと、それはまるで酔っぱらったみたいに止めることができないの。部屋がぐるぐる回りだす。でも後から目覚めた時は大丈夫になっている。曲の外から出てしまえば、もう平気。

PF: ファンの前で再び歌うのはどのような気分ですか？観客の中にいて、ファンがとてもエモーショナルだったのには驚きました。

FA: どん底に落ち込んでいる時、私のショーに来てくれる人々のことを考えるの。まだ悲しくなったり、時々友達が一人もいないんじゃないかって感じるけど、そんな気持ちに陥る時は、私が知らない人々の顔や名前を思う。彼らは私の友達で、私のことを愛してくれるのだと。 私には彼らがいる。（そう考えることは）私を本当に救ってくれたわ。まだ気まずい気持ちになるけど、どん底の気持ちから私がしがみつくことが出来ることなの。

前よりライブは上手くなったと思う。今は曲の間の気まずい静止時間に対して大分リラックスできるから。今は、お客さんに話したり、衣装を変えたりするよりは、その静止時間を自分のために使うことにしている。他の人が何を演奏しているか聴いたり、ただ休んだり、踊ったり。どうやって踊れば良いかわかんないけどさ。もう前みたいにステージ上で恥ずかしい気持ちにならないからとても幸せよ。実生活ではそんなことがあるんだけど。いっぱいね。

PF: 何に恥ずかしくなるのですか？

FA: 私がすること言うこと全てよ、本当に。長い間私はかなりひどい酒飲みで、私は大抵一人だから周りの人もそれは気づかないんだけどね。最近8〜9ヶ月の間お酒を断ったんだけど、それでアルコールが恥ずかしい瞬間を４倍増にしてたことに気づいたのよ。酔っぱらっていて、何か言ってしまって、次の日の朝に思い出して恥ずかしくなるような事よ。今はまたお酒飲むけど。

最近、Largo (L.A.のクラブ）でWatkins Family Hour Showの撮影をして、私はもう歌う準備が出来ていた。集中して感情を吐き出すことを楽しみにしていたの。とってもシリアスだった。でも、ワンダフルなPaul F. Tompkinsがホストで、曲の間にコメディをやるなんて気づいてなかった。彼が近くにやってきて私とジョークをやろうとしたから、私は「そういうのやらないから」って言っちゃってね。なんかビッチっぽいでしょ。でも口から出ちゃったのよ。本当は「どうやったらいいかわからないし、何か面白いことやるなんて知らなかった。」と言おうと思ったのに。無礼な気持ちになっちゃって、何週間か凹んだわ。そんなにヒドくは聞こえないかもしれないけど、本当に恥ずかしかったのよ。

PF: あなたが何年か前にインタビューで言った事をよく考えます。「私に起きる全ての事に対し、私はかなり強烈に体験する。ひどく深く感じてしまう。」あなたは感情の波長を誇りする事に対し多くコメントしています。あなたはまだ同じような感じ方をしますか？それとも鈍感になりましたか？

FA:私はあちこちに動いて、鈍感になる事から身を防いだの。新作の中に"Left Alone"という曲があって、私は「もう悲しくなって泣く事はない」と歌う。何も感じなくなる時期もあった。ひどかったわ。時には強い皮膚を成長させることも大事なのね。プレスの時とかね、多分。でも人が「僕が犬を飼わないのは子供の時に飼っていてそれが死んでしまったから」とか「傷つくのは分かってるから愛情を芽生えさせたくない」とか言うのを聞くと、「ファック・ユー」って言いたくなるわ。

完璧に純朴でいる事や、誰か新しい人に会う時に高い気持ちを持つ事は大事だと思ってるの。私の馬鹿さやウブさをやり直したり出来るでしょ。人間は嫌な感情を押し流したり、心地悪い事はなんでも避けるべきだと考えるように出来ているって考えると最悪の気分になるの。近頃は物事が本当に最悪な方向に向かったとき、そこにある価値に気づくようになった。なぜって、それは私が自分のノルマをクリアしているということだから。喜びをあとからさらに強烈にするからよ。

この世にある最悪の痛みは「恥」ね。長い間誰も傷つけないようにトライしてきたけど、誰も傷つけずにして生きていく事なんかできない。かなり最近だけど、私は自分が全然誇りに思えない事をしたの。それにショックを感じた。考えたわ、「私ってマジで最悪なやつね」って。でもそこから良きものも生まれたことに気づいた。そのおかげで、他人に対して批判がちになっちゃいけないって学んだから。恥も使い方によっては、自分をもっと思いやりがある人間にすることが出来るのよ。

PF: アルバム制作に火をつけたのは何だったのですか？それはあなたがカタルシスを必要とする、内部からくるものでしたか？それとも誰かが強く求めていたとか？

FA: だれも私を強要しなかったわ。他の人はレコード会社がアルバムを出すかどうか気にしなかった事に怒ったりするでしょうけど、私はEpicがそれをしなかったから嬉しかった。もしそれが起きていたら嫌になって何もやりたくなくなっていただろうから。もし人々が「何か思いつかなければダメだろ」なんて言ってきたら、それって私にクソしろって言ってるようなもんよ。やれって言われても出来ないものは出来ないの。

PF: つまりあなたの言っていることは、自分の音楽はクソだと。

FA: それが本日の「メタファー」よ。これは私が本当に出さなくてはならなかったものなの。これは人生の排泄物。私の中から追い払おうと努力してきた排泄物なの。

急いで作らなくてはならなかった曲がある事は認める。誰かが私が何も書かないって馬鹿にしたから。私の友達の一人が私にこう言った。「そうそう、何も書いてないに決まってる。」だから「あんたが次に私に会うときまでに、一曲仕上げてやるから。」って言ったの。"Criminal"はみんながランチに出かけてる時に、ヒット曲が必要だからって45分で書いたのよ。私は自分に仕事を強要することが出来るのよ。誰かがすぐ後ろに立ってる時はね。

PF: 予測できないパーカッションやサンプリングなど、 新作には型破りなインストゥルメンテーションが多くありますね。何があなたをその方向に進ませたのですか？

FA: （プロデューサー/ パーカッショニストの）Charley (Drayton)とのレコーディング初夜、瓶の製作工場の近くを散歩した。ドアは開いていて、中から機械が稼働する音を聞く事ができた。二人とも手元にレコーダーがあったから、その音が"Jonathan"という曲に合うってことで同意したの。Juanという夜のシフトで働いている男性が中を見学させてくれて、そこで機械の音を録音したわ。

その瞬間「あ、これはデモを作っているんじゃないんだ---これが完成品になるんだ。私とCharleyはこれからアルバムを作るんだ。」と言ったの。それからは楽しくなっていったわ。"Anything We Want"という曲で、ライブでは私はアホみたいなパイプの楽器を演奏しているんだけど、実際は机で、ハサミと薫製の杉のチップが入ったブリキの缶とプラスチックコップの音なんだ。何でもハサミで叩いちゃったから、杉がいろんなところに飛んでいったわ。



FA: この業界には長いけど、お気に入りはドラム。本当に本当に大きい思い出があって、私って大きい思い出なんてあまり無いのだけれど、それはグレゴリー・ハインズが出演した"Tap"という映画を見に行くことだった。映画のワンシーンで彼が牢獄に入れられて、そこには水が滴っているのだけれど、そこでタップダンスを始める。ただその「私の責任下で、好きな事が出来る」という感覚が好きだった。

続く

原文：Pitchfork

Fiona Apple (Part I)

Fiona Apple Interview
By Carrie Battan
June 4, 2012
Photo by Dan Monick

今回はマンハッタンのSOHOグランドホテルで行われたピッチフォークのFiona Appleのインタビューの翻訳です。かなり長いので何回かに分けて公開します。

Pitchfork: 最新作では子供時代に対するさりげない言及が多く登場しますね。あなたは「８歳の私たちはホッケーをしている」とか「お目付役が必要だわ」と歌っています。そこを探ることは、あなたにとって優しいものだったのでしょうか。

Fiona Apple:子供時代に戻りたいっていう特別な気持ちがあったの。このアルバムをつくる前は、子供時代のことを考えると憂鬱な気持ちになったのだけれど。子供の頃はものづくりが大好きでね、誰も私を夕食に引っ張りだすことなんて出来なかったわ。いつもお話なんかを書いていたりしたから。

子供は欲しくないといつも言ってきた。でも今ホテルにいるけれど、私が持ってる本って子供のしつけの本なのよね。顔の表情とそれが赤ん坊に与える影響についての本を持っていて、それは（元カレの）David Blaineの奥さんAlizeeにあげたんだけど。私が持ってきた本は「Raising Happiness　（幸せを向上）」っていう名前でね。子供は全く欲しくないけど、逆行分析みたいなのは好きよ。自分自身をコントロールし、しつけるの。

PF: こういう本を読むことで、ご自身の子供時代の新しい部分が明らかになりましたか？

FA: そうね。クレイジーに聞こえるかもしれないけど、何年か前に母が私にこう言ったの。「あんたが生まれた時、私たち死にかけたのよ。二人ともね。」出産予定日の二週間前に、父と母は電話で口論したの。彼はその時ボストンにいて、二人とも結婚生活に満足していなかった。彼女は言ったわ、「私は家具の置き場をアレンジし直していて、彼にはその場でソファを動かすのを手伝ってほしかったの。本当に頭にきて、自分でソファーを押したら、何か変なものを感じてね。次の二週間ほど痛みに苦しんだわ。」母の腹膜--全ての細胞を抱える膜のことだけど--それが破れていたの。ちょっとだけね。

帝王切開だった。出産を担当した医師が後から私にこう教えてくれた。「君のお母さんを開いたら、すぐそこに君がいたんだよ。びっくりしちゃったね、だって全てめちゃくちゃになっていたんだから。」

このことについてよく考えるの---これが「私は家に一人でいる時だけ幸せ」という事実に関係しているのかなって。多分生まれる二週間前から、不安な気持ちを感じてビックリしていただけかもしれない。昔は風船を持つ自分のことを考えて恐怖でゾッとしていたわ。そのまま飛んでいってしまうかもしれないって恐れていたの。バカバカしい話かも知れない、でもしつけの本を読んで私はこういうことを考えていたの

子供についてもうちょっと。何年か前に、子供が欲しいかどうか真剣に考えたことがあって。本当に欲しくないのかしら、それともただ自分の問題を後にして、彼らの問題を先に対処することが出来なかったらどうしようって心配なだけかしらって。だから、OCDや自閉症や精神障害をもった子供たちが多く通うUCLAの作業医療科にボランティアしたの。そうしたら私の心を傷つけるような言葉を言ってくるような子供たちにたくさん囲まれることが出来ると思ったのよ。それで私が何でもくじけたり、泣いたりするような人間じゃないと自分に証明したかった。自分のことだけじゃなくて他の人も助けることが出来るのよって。

私がよく覚えているのは、子供たちをキャンパスの周りに散歩に連れて行った時。彼らはエレベーターで待っている時に一番ビクビクするの。エレベーターにいた男の人が自分に対して言った独り言を覚えてる。「トランジション（階下の移動・移り変わり）が一番つらい。」私も自分に言い聞かせた。「トランジションがいつだって一番つらい。」

PF: Extra Ordinary Machineを七年前に発売した後は特に人から離れていたのですか？

FA: この34年間はずっと引きこもりがちって言えるわね。子供のときはそれが大切なことで、学校から離れて家にこもっていた。自分がずっと心因的に病気がちであるようにトレーニングしてきたから。今だって、私にとってとても居心地のいい（L.A.のクラブ）Largoで演奏するときは、お兄ちゃんに「ショーの前でお腹痛くなってきた」って言うのよ。インフルエンザみたいな感じになるの。外に出かけるときはいつだって、この問題をどうにかしなくちゃならなくてね。スーパーに買い物に行くときだってそうなのよ。一つの場所から別の心地悪い場所に移らなくちゃならないことがあったら、普通は行かないことにする。

PF: どこにも行かないのですか？

FA: まだ車の運転の仕方を知らないの。普通はLargo以外どこにも行かないな。ほんとに。お兄ちゃんが運転してくれるから。近所を歩き回ったりはするけど、どこにも行かない。行きたくもないし。イースト・コーストに戻りたいけど。ヴェニスは良い場所ね、でもL.A.は汚いわ。毎日窓からL.A.の景色を見ることになったら死にたくなるわね。



PF: なにがあなたを長い間そこに留まらせているのですか？

FA: 私のワンちゃん、ジャネットのせいなの。13歳になるわ。ひどく病んでいて、もうすぐ死んでしまう。アジソン病にかかってしまって、危険だから彼女を動かしたくなくてね。ロス・アンジェラスではどこにも裏庭と犬用のドアがあって、おしっこする場所を聞かなくてもいいし。 病的に聞こえるかもしれないけど、ジャネットがそばにいないときは、彼女がもう死んだものと思うようにしているの。ツアーにはつれていけないし、これはかなり寂しく思ってる。彼女が死んだふりをするっていうアイディアは気に入っていて、そうすれば実際に死んでしまったときに彼女はまだ別の部屋にいるって思い込むことができるから。（生と死の）ラインをボヤカすのね。彼女が死ぬのを待っているとも言えるかな。

周りに誰もいなくて、誰も話す相手がいないって言うのは変な気分よ。今私のホテルルームには金魚が二匹いる。スタッフが「もし付き添いが必要だったら、金魚を連れてきますよ。」と言ったの。だから私は「金魚持ってきて！」って。今二匹いるのは、水を換えなければならないときにスタッフが違う鉢を持ってきたから。私はもう「デスモンドを連れて行かないで！」って。

PF: デスモンドって名前をつけたの？

FA: なぜだかわからない。新しい子はまだ名前がない、でもデスモンドはどこにも行かなかった。それでいまは二匹いる。最高のやつらよ。私が顔を近づけると鉢の端にやってくる。まるでキスしにきたみたいに。

Part II

Interview: Kevin Shields

(photo by Steve Double)

 

Interview

by Ryan Dombal
April 30, 2012
(source: Pitchfork)

Pitchfork: このリイシューの制作には長年かかりましたね。なぜリリースまでにそんなに時間がかかったのですか。

Kevin:作業は実は2001年の段階で、Sonyと合意を得ることができてから始まっていたんだ。彼らがCreation Recordsからの権利を引き継いでいたからね。Sonyとした約束の一つに「すべてのEPを一つのパッケージに集約したい」というのがあった。なぜかというと2001年の時点ではアルバムのリリースは簡単にできたけどEPまでは難しかった。だからその時はすべてのEPのコンピレーション（のリイシュー）、それだけだった。

それからIsn't AnythingとLovelessもやることにして...もし（EPを）リマスターするんだったら全部リマスターするべきだぞって。2002年になって、その作業に取り掛かろうと思ったんだけど、テープを所持していたスタジオ、Metropolis Studioがそれを無くしちゃったんだ。アナログのマルチトラックは一年間ずっと行方不明だった。それでスコットランド・ヤード（ロンドン警視庁）にも協力してもらえ！と僕が脅し始めたら、突然魔法のようにテープが現れたんだよね。この話の真実はまだはっきりと分かったわけじゃないけど、近い将来に決着を付ける予定だよ。

気づけば2003年。次はSonyが急にいろんな理由をつけて契約違反を始めて、それを解決するのに去年まで時間がかかったんだ。その最中、2006年に僕はとにかく作業を始めて、2007年にそれを完成させた。ネット上にある（リークした）のはそれだよ。もうちょっとで完成ってところだったんだけど。そしたらSonyがまた悪態ついてきて...多くの反社会的な会社がそうなんだけど、黙っちゃいられないんだろうね...それでまた公平な状況に差し戻すまでに再調整しなくてはならなくて、だから今やっとのリリースなんだよ。

Pitchfork:2002年にSonyが故意にテープを隠していたというんですか？

Kevin: ああそうさ。僕らが2001年に結んだ契約では僕にテープの所有権を与えていたんだ。そしたらその契約を結んだ時のSonyの運営チームが辞めてしまった。そして新しい運営チームが入ったとき、テープが消えた。これは大いに関係あることなんだ。なぜならたとえ僕が所有者だったとしても、オリジナルのテープからリマスターしないと僕に所有権が返ってこないという契約だったから。もし音源が消えてしまったらリマスターは不可能。よって僕は絶対に音源を所有することができなかった。

[Sonyに上のケヴィンのコメントに対する返答を尋ねたところ、彼らは次のように答えた：「この非常にアイコニックなリイシュー・シリーズをKevinと本当に楽しみながら作りました。リリースが待ちきれません」]

Pitchfork:この作品に対する所有権の考えというのはあなたにとって重要なものだったのですか？

Kevin: オーナーシップとコントロールは大事なものだ。もし自分のやったことを所有できなければ、それをめぐっていろんな下らないことが引き起こされる。ゴミに人々はお金を費やすことになる。たとえばアメリカではWarner BrosがLovelessとIsn't Anythingのライセンスを供与したんだけど、彼らは単にCDから音をリップして、それを(2003年に）ヴァイナル化したんだ。まったくひどい仕事だよ。僕の許可なしにそれが行われたし、音のクオリティも100%間違っていた。購入者全員からお金を剥ぎとったんだ。それが店頭に出るまで僕もそのことは全く聞かされてなかった。実際に当時はUKへの輸入禁止命令を出させた。厳密に言えばそれはブートレグと一緒だったから。でもアメリカではWarner Brosは彼ら独自の法の下で動いていたから、アメリカではまあそんなのも法的だったのかもしれない。（※ここはケヴィンの皮肉だと思います。実際の法とか関係なく。）

あと、所有権がないとお金も入ってこないんだ。実際にアメリカからは僕らが作ったすべての作品に対する売上は１ペニーとも入ってきてない。レコード会社の世界では、僕らは常に借金を抱えている。でもこの話の奇妙なところは、Lovelessは最初の一年の売上だけで借金を返すくらいのコピーを売上げたんだ。でも、この先何百枚も何千枚もレコードが出たとしても、Warnerは「僕らは未だに借金状態」っていう状況を何とかして作り上げた。だからWarner Brothersからはコンピレーションは発売されない。彼らも(Sonyと）同じように酷い契約違反をしているから。

[この記事のプレス時に、Warner Brothersから公式の声明は出なかった]

 
Pitchfork:どうもレーベルの問題をめぐってひどい戦いをしてきたみたいですね。

Kevin:僕は被害者なんかじゃないよ。誰ににとってもそういうものなんだ。これは戦地の真ん中で腕を撃たれて「なんで僕なんだ」って言う感じにちょっと似てる。つまり、むちゃくちゃシンプルに言えば「企業システムは全く気違いで、クリエイティブな人間がこういう会社とビジネスの世界に入ることになったら、生涯に渡って問題に直面する」。前に進むにつれて対処していくしかない。人々が組織を再び作りなおすまでこれは止まることはない。

Pitchfork: SonyやWarnerが気違いな存在というのは正確に言えばつまりどういう意味なんですか？

Kevin: まあ、組織っていうのが（気違いなんだ）。でも個人レベルでいえば70%はまともな人間なんだろうけど。でも支配力をもった重要クラスの少数は感情移入なんかしない。知ったこっちゃないのさ。もし君のお願いを聞く以外の決定権が無いところにまで彼らを追い込んだら、そしたらその時ついに何か言い始めるだろう。でもそれまでにひどく時間はかかる。これはゲームなんだ。普通だったら「私被害者だし」と言って時間をかけることを辞めてしまう。 僕に「遅い」とか「時間かけすぎ」という評価が与えられたのも、僕がとにかく（戦いを）止めないからなんだ。行く先には強大な障害があった--音源もない、ロイヤリティもない、企業なんかとんでもない。それを全部解決したんだ。

Pitchfork:つまりリイシューの遅延はあなたの手の負えないところにあったと?

Kevin:非常に低基準な全作品のリマスターの何年も前にやろうと思えばできたって言う点で手に負えなかった。オリジナルの音源を使わなければできたんだ。多くの人がそうするように、CDをコンピューターにいれて、ボリュームを大きめに設定して、違うEQを設定して「ほらリマスターですよ」って言えばよかったんだから。信じられないかもしれないけど、びっくりするくらい多くのリマスターはそうやって作られるんだ。わかっているアーティストはちゃんとした方法でやるけれど、60年代～70年代の商業的なバックカタログはオリジナルの音源から（のリマスター）じゃない。クレイジーだよ。

Pitchfork:ファンはLovelssのもともとの形を崇拝しているのに、そもそもなぜリマスターをしたいと思ったのですか？

KS:リマスターに価値があるテクニカルな理由は、90年代後期まで「ゼロ」と呼ばれる(デバイスの）限界があって、ゼロ以上に大きい音を出すことはできなかったんだ。Lovelessには非常に広いダイナミック・レンジがあって、全体のミックスに圧縮は無かったんだ。それが理由でとても静かな作品になってしまった。最近のレコードはほとんどゼロから６～７デシベル以上なのに対し、Lovelssのほとんどはゼロからマイナス４～５デシベル。そこにすごく大きなボリュームの違いがあるんだ。３デシベル単位で二倍の大きさと把握されるのだから。でもLovelssをラウドにしたかったらボリュームをあげればいいし、そこはそんなに重要なポイントじゃない。大事なのは、CDプレイヤーにあるプロセッサとほとんどのデジタル再生装置は、3デシベル以上から最高の動きをはじめるということ。CDプレイヤーはそのレベル以下はあんまり重要じゃないと見なすから、濃密に処理してくれないんだ。

今回発売される２枚のLovelessリイシューだけど、一枚はオリジナルと全く一緒。だけど全てがデジタル・リミットで剃ることなく（一定の音量で制限 することなく）ゼロまで引き上げられている。原則的に言えば、リミッターは情報をすべて取り出して、人が無意識的にしか普通は聞き取ることができない「トランジエント（過度電流）」と呼ばれる尖った部分を削りとるんだ。この削りとられた部分がリスナーに音楽とつながっている感覚を与える。だから（リミッ ターがかかった状態で）何かを10デシベル以上に設定しても、どういうわけか物足りない。削り取られたそれぞれのピーク部分には代わりにちょっぴり（オリジナルの音ではない）歪みがかかるから、全体のサウンドにハードで不愉快な感じのツヤを与えるのだけど、（リミッターがないから）それも聞こえなくなって いる。Lovelessリイシューの一曲にはちょっぴりデジタル・リミットがかけられているんだけど、それは残りの曲との整合性をとるための「生贄」だっ たから、どの曲かは教えない。あと、サウンドがゼロにまで引き戻されたということは、つまりCDプレイヤーがちょっぴりベターに処理できるようになったと いうこと。だからかなり...ベターに聞こえ...いや、ベターは正確な単語じゃないな。違う感じがするんだ。

Pitchfork: アナログ音源のリマスターをリリースしようと考えた背景は何ですか？

Kevin:オリジナルのLovelssはデジタルのマスターから生まれたものだった。僕が頭に描いていた形とかなり近かったし、その時はアナログテープの方は少し歪んでいたから。テープに移す作業がステレオの音像を広げてしまって、トップとボトムがうるさくなりすぎた。だからギターの配置も正しくなかったんだ。それが気に食わなくて、オリジナルのハーフインチテープは（マスターに）使わないことにした。でも今回は、オリジナルのアナログテープを使って気に食わなかったところを全部修正する機会を手に入れたから、アナログの良い所だけを本質的に残して、嫌なところは取り除いたんだ。

この２つのリマスターを聞き比べても、違いがわからない人は出てくるだろうね。でも、ちょっと腰を据えて最初から終わりまで聴いたら、誰だって他の一枚と比べて全く違った感覚を得ることをがお約束するよ。２枚ともそれぞれ違った理由でいい作品だから。デジタルリマスターは脳内トリップみたいで、アナログのほうはもっとフィジカル。誰か手がけたということを意識するみたいな。

Pitchfork:何年か前の再結成ライブのことを考慮すると---周知の通りかなりラウドでした----、Lovelessのオリジナル音源が一番「静か」だったというのは皮肉ですね。

Kevin:何が言いたいかわかるよ。僕らは最大限も最低限も両方カバーしてるんだ。妥協をせずに、一定のルールで物事を行い、それに対し良い気分になる。そこから生まれているんだ。 

原文：Interviews: Kevin Shields

Special thanks to: Dan, Bob, Nichola for your help, and OTOAN for your inspiration.

Beady Eye, Andy Bell Interview Part II

ENTERTAINMENT SPOTLIGHT

Andy Bell glad to finally bring Beady Eye to Japan

By SHAUN CURRAN

Special to The Japan Times
Translatd by Satoru Teshima

Part II

「驚く事は結構あったね」ベルは、このオアシスの因集が新しいバンドをどのように影響したかという質問にこう答えた。「僕がショックだったのは、みんなが僕らの事をどうせゴミっぽい仕上がりになるだろうって思ってたことだ。」嘲っている訳では無いだろうが彼は鼻から笑い声を出した。それはするどい一言だった。ノエルがいないオアシスが、作曲の中心人物無しで活動する？バンドをイギリス一番のモンスターバンドにしたあの男無しで？驚きを見せる人も、すぐさま馬鹿にする人も少なくなかった。私はなぜそうなるのか聞いた。「まあ、答えは分かってるけど。」彼は言う。丹念に考え、少し怒った素振りを見せた。「ノエルがオアシスを去ったから、他の人達がやるのは絶対にクソみたいな仕上がりになるって！？これが一番の驚きだった。だって、リアム･ギャラガーと僕と、ゲム・アーチャーとクリス・シャロックの四人組だよ？そんなのすごい作品になるに決まってるじゃないか。僕らもバンドだったんだ。リアムがバンドの声だったんだぜ！？」そのあとベルは一つの仮説を提案した。ノエルの報道を操作するスキルだ。

「ノエルが報道や記者陣を担当していて、いつも彼の観点で物事が語られていたんだ。」ベルの声には落ち着きが戻ってきた。「彼はバンドメンバーに対するパーソナルな意見を言って、バンドに悪い影響を与えていたんだ。あれは全部彼の考えだったんだよ。僕らは何も言う事が出来なかったよ。みんなは１０年間もノエルの偏った意見をオアシス全体としての意見だと捉えていたんだ。それで僕らはカッときた。まるでバンドの中でまともなのはノエルの考えだけだってみんなが思ってるみたいだって。彼は自分の正しい視点を報道で伝えるんだ。」

最高のタイミングで、僕らの対談はノエルがメディアが多く参加し、かなり自愛的なロンドンの記者会見でソロ活動の発表をした二日後に行われた。その時ノエルはリアムの喉頭炎は偽りで、オアシスに彼のファッションブランドPretty Greenのために不公平な要求をしていた事を責め立てた。バンドを解散に追いやった議論の原因がこれだったと主張したのだ。ベルはこの会見を見ていたのだろうか？
「ああ、見ていたよ」

どう思いましたか？

「アホくさかった。」彼はすぐに答えた。「いろんなこと嘘ついてたね。Pretty Greenの口論なんて嘘だ。Vフェスティバルでの喉の炎症を偽ったとかも嘘だ。」彼は急にしりごんだ。「でもわからない。多分、彼はそれが真実だと思っていたのかもしれない。彼の頭の中で何が起こっているかわからないよ。彼の事はよく知っているし、呆れているわけではない。ああいう奴なんだ。記者陣をどうやって回すか良く分かってるんだ。何年も利用してきたからね。僕らにとってインタビューも会見も二の次。あれは彼の役目だ。」
記者会見の中でノエルはベルについてあまり良い印象を与えなかった。

「あれはただノエルがノエルらしくやってるだけだ。」　彼は『別に何も期待してなかった』というような印象で答えた。「全部のクソみたいな事。部屋の中には僕ら三人いて...何回も言うけど、Pretty Greenとは何の関係も無かったんだ。もう火に油を注ぐような事は言わないよ。でも、結局僕はリアム、ゲムそしてクリスと、（オアシスの時と）同じマネージメントと、ツアーメンバーでバンドを結成した。」ベルは話を逸らしたが、明るくこう言った。「それでもね、彼にはうまくいってほしいし、幸せになってほしい。」

パリでの解散劇の余波がすぐさま伝わり、その中でBeady Eyeの結成は実質上構想された。結成メンバー、ポール・”ボーンヘッド”・オーサーズとポール・”ギグジー”・マクギガンに代わり、ベル（シューゲーズのパイオニアとなったライドの元メンバー）とアーチャーが１９９９年にオアシスに加わった。硬派でオアシスの仲間である二人がリアムと再びクリエイティブな活動を始める事に疑問は無かった。「僕らはホテルに戻って、ビールを何杯かかけて、一緒に座って「だからってまた一緒に演奏出来ないはずが無い」と言ったんだ。ノエルが去ったからって僕らの終わりではないって事にみんな賛成した。」オアシスが何かして生き残る可能性はあったのですか？「それは僕が考えることじゃない。後ろを振り向く事はしたくないんだ。」ベルは言った。

「じっとしている」事が出来ずに、彼らはイギリスに戻って一週間のうちにデモトラックを録り始めた。曲がどんどん生まれて行く中、2010年の三月スティーブ・リリーホワイトによって新たなバンドBeady Eyeのアルバムがプロデュースされる事が発表された。彼らが障害を乗り越えて作られた作品が生まれようとしていた。

「アルバムが終わった後、みんなが息を落ち着かせた時にこう言った。「俺達は最終地点まできた。みんな気に入ってくれるかな。」僕らはそういう所まで来ていたんだ。グラスゴーでの初めてのライブステージに立ったとき、広大な安心感と興奮を感じて、大丈夫だと確信した。誰もオアシスのＴシャツを着て現れなかったし、誰もオアシスの曲を叫んだりしなかった。みんなBeady Eyeの曲を一緒に歌ってくれた。気に入ってくれたんだよ。」

劇場のべニューで行われたショーはオアシスがずっと慣れてきたスタジアム級のサイズでは無い（「そんな巨大なレベルで開催する事はないって分かっていた。」が、勝利の音が鳴り響いていた。原始的で、直球で、耳が割れるほどでかい音量。「僕らがステージに立ったら自然的にこうなるんだ」バンドが彼らの状況に対して何の苦労もしていない事を物語っていた。

あなたたちはここ最近よりも新しいバンドの曲にうまく従事しているようだけど。特にリアムは。

「リアムは完璧に新しい曲に共鳴している。（バンド始動の）一日目から、リアムの声が全てだったんだ。声を下げたけれど、音の壁から下げた訳ではない。リアムの声が音の壁を成していたんだ。そのまわりに僕らが音を組み立てていった。彼が青写真だった。彼はすごくエネルギーが充填されているんだ。」

リアムが監視していないからか、騒がしい事件や非難返しも全て過去の事に思えてきた。そしてリアムは－－Beady Eyeとしてのバンドはこれ以上の満足は出来ないだろう。

「彼は幸せそうだし、僕らもみんな幸せだよ。」ベルは言う。「つまり、オアシスにいても楽しい事ばかりだった。１０年間とても素晴らしい時間を過ごしたよ。でも、僕らは最高の演奏をするし、今まで以上に良くなっている。Beady Eyeは一緒にいることを楽しんで、ロックンロールを鳴らすバンドなんだ。」

Beady EyeはZepp Tokyoで9/5, 11, 12にライブ（[03] 3444-6751)、Zepp Nagoyaで9/6にライブ（[052]936-6041)、そしてZepp Osakaで9/8にライブをする（[06]6535-5569)。詳しい情報は www.zepp.co.jp と www.beadyeyemusic.com.で

原文：http://search.japantimes.co.jp/cgi-bin/fm20110812r1.html

Part I

Beady Eye, Andy Bell Interview Part I

Friday, Aug. 12, 2011

ENTERTAINMENT SPOTLIGHT

Andy Bell glad to finally bring Beady Eye to Japan

By SHAUN CURRAN

Translated by Satoru Teshima
Special to The Japan Times

Andy Bellは今ストックホルムにいるかもしれないが、彼の気持ちはまだ日本に残っている。このギタリストの新バンド、Beady Eyeは二年前、オアシスのノエル・ギャラガーの刺々しい脱退後に残ったメンバーで結成された。東日本大震災が発生したとき、この四人組は再び初々しい姿で登場する準備をしている所だった。

「津波が起こったとき、僕らはツアー中でずっとニュースを見ていたんだ。」

ベルは思い出しながらこう語った。

「日本のツアーを計画していたし、これではもう行けないかもしれないってわかっていたんだ。日本は素晴らしい場所だし、そこで演奏するのも大好きだ。オアシスではたくさん行ったよ。１０回くらいかな。だからただキャンセルして、チケットを払い戻しして無かった事にするのは間違っている気がしていたんだ。」

唯我独尊のフロントマン、リアム・ギャラガーが率いる、Beady Eyeの返答は、どんな方法でも日本に何か手助けをすることだった。４月３日にロンドン・ブリクストン O2での日本災害チャリティショー（Japan Disaster Benefit Show)での演奏後、バンドはダウンロード限定でビートルズのカバー曲、「アクロス・ザ・ユニバース」を配信。収益は英国赤十字津波アピールの活動の支援のため募金された。

「あのライブを出来るだけ特別なものにしたかった。全て同じ事のためなんだ。あの曲はカバーしようと以前話していたもので、その時に発表するのが一番フィットしていると思ったんだ。一週間のうちに急いで仕上げたよ。僕らは日本が大好きなんだ。日本への愛はどんどん増していった。人々も大好きだ。僕は日本の人達を理解しているし、彼らも僕らの事を分かっていてくれる。僕らも地震を感じたよ。あれはただ世界のどこかで起きた災害じゃないんだ。」

善意の気持ちは相互的に与えられた。Beady Eyeは今週末サマーソニックで日本デビューを飾る。他にもRed Hot Chili Peppersの復活や各国からのバンド演奏が国民の興味をそそっていた。"Different Gear, Still Speeding"はロックの歴史を代表するモンスターバンド（ローリングストーンズ、ザ・フー、そして間違いなくザ・ビートルズ）の影響を多々に受けながらも、良質で、刺激的な瞬間を含み、過去のオアシスの作品に肩を並べる作品となった。

もし音楽以外の注目がなかったら...。間違いなく、ギャラガー兄弟の関係とその皆が注目する二人の崩壊が影を与えている。ベルはこの兄弟の事を「名物」と呼び、二人について人々の想像は膨らんでいくばかりだ。パリでの着替え室での争いが二人の口げんかの有様を語っている。ノエルはすぐさま痛烈な声明を発表。「俺のバンドメートからのサポートと理解不足」を嘆いた。リアムの事を「暴言と暴力の脅し」と言い、ベルは「怒ったね。だって、彼がそう考えてるんだって目の前で聞かされたんだから。」彼の癇癪は変わることが無かった。

原文：http://search.japantimes.co.jp/cgi-bin/fm20110812r1.html

Part II

Bon Iver Interview Part IV

Part IV












PF:あなたは以前にもソロで作品をだしていますが、プロジェクト毎に名前を変えていますね。For Emmaの成功のプレッシャーで、Bon Iverの名前を辞めて新しい事を始めようと考えたりしましたか？

JV：うん、でもそれと同時に僕はこのレコードをBon Iver, Bon Iverと名付けたんだ。半分はセルフタイトル、もう半分は何か変な物。何故かと言うと、僕はBon Iverは何かを続けていくチャンスだと捉えてるんだ。雰囲気を変えようと多くの人たちがバンド名をかえる。だからDeYarmondは解散しなくてはならなかったんだ。シーンに変化が必要だったから。Bon Iverでは、それをしなくて済む、大きい機会だと思っている。このブランド、ブランドって言葉大嫌いなんだけど、それをオープンにすることができるんだ。自分がどんな人間か恐れずにすむんだ。将来のチャンスを見据えることに恐れなくてもすむ。進化をいつも心地よく思っているから、シーンを変える必要はない。ただ自分自身であればいいんだ。

PF:なにがあなたに最終的にそれを気づかせる手助けをしてくれましたか。

JV:For Emmaの成功で、昔を振る返る事をする必要がなくなった。その以前は、ほとんど諦めていたんだ。Bowerbirdsが演奏しているのを覚えていて、その時僕は「すごいな、僕ダメなんだな。」って思っていた。自分が全然特別な人間じゃないと感じたんだ。だからFor Emmaを作ったのが、椅子に座って、自分のために美しい何かを作る最後のチャンスだった。

あのアルバムの反響が僕に本当の姿を見せることが必要だったんだと自信を与えてくれたよ。あのアルバムが成功のチャンスだと思ったからじゃない。あのアルバムは実際に僕に何か意味を与えてくれて、実際に自分のために作っているような感じがしたからなんだ。もし君が一人で成功しなかったら、自分のありのままの姿を見せるクリエイティブな作品を作る事で生まれる幸福は、君の人生の大きな第一歩になるはずだ。

PF:このアルバムにはあなたの人生を反映したたくさんの具体的なものが登場します。例えば"Holocene"ではBradとPhilCookが住んでいたウィスコンシンの家を言及したり。これらはどのように繋がっているのでしょうか。

JV:一つのアルバムにたくさんのイメージがどうやってフィットするのかは確かじゃないけど、それらは一つの決まった場所から生まれている。"Holocene"はいい例だ。歌詞の二つ目の節はEau Claireで過ごした年月のことだけど、最初の節はそのときにあった暗い時間の奇妙なアマルガメーション（融合）だからね。その節はミルワーキーを舞台にした。暗くてビールが飲まれてる場所だからね。あそこではあまり時間を過ごさなかったけど、暗い時間を比較するいい比喩になる。ハロウィーンのときミルワーキーの大人は何すると思う？あいつらはへろへろに酔っぱらって、子供時代のことを忘れようとするんだ。"Holocene"のビデオ撮影のアイディアを考えていたんだけど、大人の「トリックorトリート」をやるのがいいと思う。子供達が昔の夢を忘れて遊んでいるような感じの。かなりダークだよね。最後の節は二つのクリスマスの前に飛ぶ。吹雪のなかNate(兄弟でマネージャーの一人）と過ごして麻薬を吸っていた。僕が今まで書いていた曲より主観的じゃないけど、コングロマリットな感じでうまくいってる。

PF:あなたが名声を友達のためにうまく利用しているのを見るのはとても刺激的です。あなたとNateが買った新しい農家をスタジオに改築して、自分のためだけではなく、他のバンドたちにも提供しています。

JV:あの家はまるで僕と同じ事をしている友達があつまるサマーキャンプみたいだよ。僕らは子供の時に見た夢を追いかけ続けて、一つの場所に引きこもってレコードを作ってる大人なんだ。これでいいんだ。全然普通じゃないけど。作業している時に、ここでは住めないと気づいた。僕の家じゃないんだし。僕はそれと別にEau Clairの小さいアパートに住んでいるんだけど、僕よりでかいことの一員になることは気にしないよ。

"Irony is based on insecurity; people like to not like things because they don't understand them."

PF：Gayngsはよく不誠実だとレッテルを貼られていますし、このアルバムの最終曲"Beth/Rest"にもHornsbyサウンドを使う事で同じレッテルを貼られるリスクがあるように思います。なぜ人々はなにか不確かで、期待していないものを聞いた時に、皮肉を混めた説明に走るのでしょうか。

JV:簡単に言うと、皮肉は不安から生まれるものだからだよ。だれかが何か皮肉な事をするのは、彼らが人気があるものを罵しりたい時や、何か障害を課せられているからだと思うな。僕は何でほんとは好きじゃないものを作り直そうと時間をかけるのかが理解できないんだ。Gayngsは楽しい空間を掘り下げていて、「楽しい」と「可笑しい」の違いははっきりしているよね。Olsonはしっかりと誠実に、変なAM Radioにハマっていて、それが彼のプロジェクトの発端だったんだ。僕はフォークシンガーやギターを弾く男のシーンにいるけど、彼は人からジョークだと呼ばれるシーンと対処しなくてはならない。もっと大変だよ。Gayngsは皮肉なんかじゃない。僕たちの心にあるものなんだ。みんなは理解できないものを嫌いたがる。

でも、Gayngsがやったのと僕が"Beth/Rest"でやった音楽には大きい違いがある。あの曲のゴールはもっと音を組み立てることだった。あのキーボードの音色はこのアルバム全体で鳴っているけど、"Beth/Rest"では男がアコギで歌っているようにシンプルに奏でた。あれはKorg M1なんだけどね。"Beth/Rest"の歌詞は本当に気に入っている。１４歳の純粋な時の歌詞で、超複雑な事は言わないように心がけたんだ。僕に意味がある事を言うようにしている。

PF:"Beth/Rest"、誠実な曲なのですが間違って皮肉だと印を押されたり、「どうでもいい、この曲の音が好きだから」と思われるか心配した事はありますか。

JV:後半の方、でもその事実に誇りに思っている節があって、不安になっている自分を角に追いつめる事ができるよ。でも正直どうでもいい。あの曲が大好きなんだ。あの曲の作業している最中泣いたよ。それが何を意味しているのか、どこからこの感情が生まれるのか、何で音楽のために泣くのかわかる。それは皮肉じゃないんだ。悲しかったり、嬉しいから泣くんだ。そしてあの曲は、僕にとって嬉しいものなんだ。これが僕のキャリアの最大の声明になるとは思っていない。まだまだ学ぶ事も成長する事もあるから。でもこのレコードの最後の曲にしたのはとても気に入っている。いい感じだよ。

その特別で圧倒的な感覚を初めて音楽から得たのは１４歳の時Michelle MaloneとJoan BaezがいたIndigo Girlsを見た時で、彼女達はストーンズの“Wild Horses”をカバーしていた。それを聞いた五秒で成長したふうに感じたね。僕の人生で一歩踏み出した瞬間で、僕に音楽を絶対に諦められるはずがないと知ったんだ。宗教や皮肉と全く関係無しに、音楽が僕にひれ伏しているような感じがした。それが僕がやろうとしていたことだった。

【完】

原文→Pitchfork Bon Iver Interview

Part I
Part II
Part III

Bon Iver Interview Part III

Part III















PF:歌詞が大事だと言う事ですが、このレコードは歌詞や作詞のアイディアが音楽から生まれているように、先ず音を重視しているように感じます。For Emmaはそれと全く反対で、まるで言いたい事が合ったから音楽を付け足したような感じでした。

JV：君が言ってる事は間違いじゃない。もうギターを持って座ってるだけじゃインスピレーションが湧かなくなったんだ。もうなくしてしまった。もっと他の音楽に興味を持つようになって、もともと聞いていた音楽、Bruce HornbyからCharlie Mingusまで全て一つにまとめようって思ったんだ。なんで僕はこういう作品が気に入ったんだろうって模索をしていた。機材の点では、僕は音を一から作り上げたくて、それを曲に取り入れたんだ。例えば、"Perth"のリフはギターでファズを立てて、Neil Youngや僕らがLand Of Talk（Vernonは2008年のSome Are Lakesのアルバムをプロデュースした）でやったような暖かいディストーションの効果を作ろうと思って出来たんだ。楽曲は、音の風景から始まり、歌詞ができて音楽になった。全曲少なくとも一年かかったよ。

多くのアイディアはCollections of Colonies of Bees（Volcano Choirのプロジェクトで）と働いている時に生まれて、作曲を失敗から始めてみて、やりたいことは何でも試してみて、Olson（Vernonが参加したソフトロックバンドGayngsのリーダー）がどうやって編集するのか見ていた。何を完成させるかじゃなくて、どう全てをまとめるかなんだって分かった。Olsonはこう言っていたな。僕も今ではよく使っているんだけど。そう、「リーガル」なんだ※。"おい！リーガルだなそれ！」って感じに。僕がコックロック※のギターでふざけてたら、あいつがそれにディレイをかけて、自分が面白いように配置を換えるんだ。それを「リーガル」って呼んでた。

※Legalは適法な、正当なという意味があります。法律に関する言葉ですが、Legitimateと同じように、「イイね！」という感じに口語的に使っているのかも。
※Cock Rockというのは男性の攻撃性を前に打ち出したロックのこと。The Doors,Rollins Stone, The Whoなど。Led Zeppelinはコックロックの重要な先駆者と呼ばれています。ハードロックとも言われます。

PF:GayngsのRelaytedでもBon Iver, Bon Iverの我慢強く良く練られた音を聞く事が出来ます。

JV:レコーディングの時に僕が尊敬する人たちから学んだ点でいうと、このレコードに関してはOlsonとKanyeには影響を受けたと言えるね。彼らはたくさんのアイディアをうまくまとめようとやる気があって、楽曲にどんどん変なアイディアを加えさせたんだ。最初はうまくいかないようなことだけど、最終的には寄り合わせたりねじ曲げる事で機能させることができるんだ。僕は彼らが演奏するよりも、監督しているところをよくみていた。

僕がKanyeやGayings、Volcano Choirでやった全てのプロジェクトでいろいろ教えてもらったよ。三年間このアルバムの楽曲に作業していたから、続けながら学んでいったんだ。"Calgary"は最初何の知恵もなく書いたけど、完成した時は彼らから学んだ事を取り入れた。あの曲では、キーボードのパートを導入して、何回も何回もペーストしていった。歌詞は一年かけて考えたよ。いまいちな曲だと思っていたんだ。で、(Bon Iverの）Matt McCaughanがスネアドラムのパートを演奏して、それでブリッジのアイディアが浮かんだんだ。そしてギターの部分を加える。ツアーとサイドプロジェクトによって、音をまとめることができたけど、うまく時間をとることができなかった。だから楽曲のスケッチと一緒に路上に座って、感情的にどう変わるか待ったんだ。

"I don't find inspiration by sitting down with a guitar anymore. I lost that."

PF:この四年間でたくさんのプロジェクトに参加していましたが、その中で抜きん出ていたものはありましたか？たとえば「すげぇ、俺がこれやったの？」ってやつは。

JV：Kanye Westのファンだったから、彼と仕事するのはやばかったなあ。GayngsのOlsonと作業したのもやばかった。彼は僕のヒーローだからね。でもSounds of the South(VernonがAlan Lomaxの古いフォークとブルーズの録音を前のバンド,MegafaunのメンバーSharon Van EttenとジャズビッグバンドFight the Big Bullと一緒にカバーしたプロジェクト）が面白い事に僕が今までやった中で一番音楽的にやりがいがあったな。また彼らと演奏できたし−−−僕にとってとても大事な事だった−−−アメリカ音楽に触れる事が出来たしね。

PF：あなたは前のバンドメートMegafaunのBradとPhil CookそしてJoe WesterlundとSongs of the Southで一緒に演奏して、DeYarmond EdisonとしてSXSWで再結成しましたね。もうあなたたちが一緒に演奏しないだろうという時期があったのですが、なぜ解散したのですか？

JV：もう解決したんだよ。僕が経験した中で一番強烈な解散劇だった。あれ以上に深いことを乗り越えるのは経験できないよ。色んな人との１０年間の関係を築いたのだから。解決に時間がかかったんだ。Megafaunが"Find Your Mark”を演奏しているとき、泣いてしまったのを覚えている。うぬぼれかもしれないけど、僕の事を歌ってるように感じたんだ。それを聞いて、「最悪だ。誰かを傷つけてしまった。」と思った。僕らは本当に本当に良い友達だったから。でもまだあの曲のことはまだ聞いてないよ。

でも、今はMegafaunが大事なバンドなんだとみんな気づいたんだ。この数日彼らの新しいアルバム（Justinのウィスコンシンのスタジオで録られたLP)をずっと聞いてて、女の子みたいにヒーヒー泣いちゃったんだよ。悪い所が無いんだ。それで、今僕らは一緒だから、新しいバンドかプロジェクトをやろうか考えている。どうなるかははっきりしていないけれど。ちょっと時間をかけて考えてもいいだろう。

PF:あなたのお気に入りのミュージシャンが何人かBon Iver, Bon Iverに参加していますね。ここまで広がった物になると気づいたのはいつですか？

JV：二年くらい前、気に入っている骨格しか出来ていない曲があることに気づいたんだけど、どうやって肉付けしようか考えていた。KanyeとGayngsと働いて僕の頭はかなり柔らかくなっていたから、「ああそうさ、僕がミュージシャンを呼んでみてどうなるか確かめてみよう。」って感じだった。ダブルサックスのEllingtonとか、他のゲストも僕の所に来てくれた。だから（ペダルスチールギターの）Gregと（サックス奏者）Lewisと（サックス奏者）Colinの僕が大好きなサックスプレイヤー二人を呼んでみたんだ。いいだろう？次にこれ以上の機会を得る事が出来るのはいつだと思う？多分絶対にないよ。

PF:このアルバムには自分の限界点を突破しようとあなた自ら背中を押しているような要素が見られます。For Emmaにもゲスト奏者はいましたけれど、確実にもっと孤独感がありました。今回違ったプロセスを試すことはあなたにとってどれほど重要だったのでしょうか。

JV:ぼくがFor Emmaを作り終えて、Blood Bankを発表したとき、次の作品はかなり違った物になると分かっていた。例えば"Perth"は2008年にレコーディングを始めていたんだ。JagjaguwarからFor Emmaが発売される前の事だったんだよ。どんなアルバムを作る事になったとしても、"Perth"は一曲目にするってすでに決めていた。

"Bon Iver is about the opportunity to never have to worry about being something someone expects you to be-- you just have to be who you are."

【続く】

原文→Pitchfork, Bon Iver Interview

Part IV

Part I
Part II

Bon Iver Interview Part II

Pitchfork（以後PF）：For Emma, Forever Agoや、Bon Iverの活動の前に、あなたは様々な名前でいろんなプロジェクトをしてきました。この新しい装いは多分違った物になると分かったのはいつですか？

Justin Vernon(以後JV）：ある午後にChristy(Justinの前の彼女でアルバムにも参加した）のところで"Flume"を書いた時、すぐに気違いな感じがしたんだ。今までこんな曲書いた事無かったから。あの新しいファルセットを練習してたんだけど、ぜんぜんうまくいかなかった。本当にぐちゃぐちゃな感じがしたんだ。あの春はたくさんの曲を作ったけど、"Flume"を書くまでは全然まとまらなかったんだ。

PF:Christyが以前僕に、あなたが"Skinny Love"を初めて彼女に歌った時、自分の事についての歌だと気づいたと教えてくれました。Christyや、特にあなたの元カノのSara Emma Jensenについて公共の場で話すのに時間がかかりましたね。なにがあなたに彼女達について話そうと思わせたんですか？

JV:話すことは怖くない、けどさどうやってそれが真実だと保障できる？"Skinny Love"がChristyについての曲だって言うのは全部が真実じゃないかもしれない。僕らは付き合っていて、彼女がすごく大切な人だったから長い間一緒に暮らした。でも、あれは僕が経験したリレーションシップの瞬間についての曲なんだ。君はだれかと付き合うのは助けが必要だからだ。でもそれが理由で誰かと付き合う必要なんてない。それがSkinny(軽薄、薄っぺらい）ってことなんだ。その愛には重みが無い。薄っぺらい愛（Skinny Love)には中身がないからチャンスがないのさ。

PF:物語は事実から始まりますが、時間をかけると事実が曲げられた伝説になりえます。例えばあなたが"Jimmy Fallon"に登場した時に、彼はあなたの父親の別荘がBon Iverという名前なのか聞きましたね。あなたがFor Emma, Forever Agoの製作の真実を無視して、"Fuck it(どうでもいい）"と言わなければならない時がありましたか？

JV:うん。僕は真実の理解を心配するのが自分に撮ってに重要じゃないと気づき始めた。まるで高校時代の巨大な比喩みたいな感じだよね。みんなが決まった事を思ったり言ったりする、それで色んな噂が電話なんかで変に大きく伝わって、突然誰かが最低な奴とか人種差別だとか呼ばれる。僕が知りたいのは、僕がどんな風に理解されようと、僕は僕として生きて行けるかなんだ。でも話が間違って伝わるのは面白く思ってるよ。たとえインディーロックの世界でも、企業の鬱陶しさからの独立と真実を掲げている世界であるべきなんだけど、セレブのやっかいな扱いを受けるんだ。

PF：作家のDavid Sedarisが彼の友達や家族に彼らの事についていずれ題材にすると、伝えなくてはならないと書いています。それがどれだけ不愉快に感じられても。あなたがBon Iverで書いた曲を考えると、曲が何らかの理由で有名になる前に、先に友達に謝っておかなければと考えることはありますか？

JV：それは考えた事無かったけど、Emmaではみんないつも「アルバムが売れてから、曲に登場するキャラクター達について考えた直したことはある？」って聞く。その度に僕はこのアルバムは何よりも僕の事が描かれているんだって言わなくてはならない。Emmaは一人の人間ではなくて、場所であって時間なんだ。現実はね、もし君に自分が誠実になれる友達がいるとする、そしてその誠実さが真実を引き寄せる最大の磁石になるんだ。曲に登場する実際の人たちと会話をすると、不愉快だったり気まずいかもしれないけど、僕らはお祭りの愛らしい場所にいるような気がするんだ。特にこの新しいアルバムでは、彼らについて「ヤッホー！」っていう感覚しか浮かばないな。

"For Emmaを作った時、僕が、座って、自分のために何か美しい物が出来るのかを知る最後のチャンスだった"

PF:新しいアルバムの歌詞はテーマに巻き付くように印象的ですが、また生のディテールを地に着けるように加えています。作詞家として、その作詞方法の魅力的な点はなんですか？

JV：Richard Bucknerの感じ、それが僕に一番影響を与えている。彼の言葉は音だけで殆ど意味を持たない、けれど僕にはそこにすばらしい意味があるのが分かる。彼の"Loaded at the Wrong Door"は、とても心を打つ美しくてヘヴィーな歌詞があるんだけど、実際に何の事なのか説明できないんだ。それでも彼の言葉に強烈で個人的なつながりを感じるのは、言葉がしっかりと流れ出ているからだ。

Bob Dylanはいい歌詞を書いたけど、彼が最重要な作曲家の一人と言われるのには評価されていない理由があって、彼の声が言葉とうまくマッチしているからなんだ。彼は言葉をラップする。Neil Young/Bob Dylan/Indigo Girls/John Prineなどの主観的な作曲家の中で成長してきて、僕には彼らの力がないし、真似出来ないし、まだまだ探求しきれてないんだってやっと気づいた。

"Flume"で無意識に理解したことが、僕にもっと意味を与えてくれた。僕らがライブで演奏する時、"Flume"にはまだ一番夢中になるね。あの曲のイメージはもっと神秘的で、それでも僕には視覚的に見えるんだ。この新しいアルバムでは、かっこ良く聞こえる言葉と奇妙な感情があるような、普通じゃない風景を構築しようと試みた。今回は歌詞にすごくこだわったんだ。言葉を大切にしないと無茶苦茶になるからね。ただ「うまく聞こえたら、それでいい」なんで簡単に言ってられないよ。本当に深く追求したかった。一ページに書けなくなるまで書いて、見映えが良いか確認した。読むって意味でね。

PF:アルバムがリークした時に、その意味が分かりました。あなたは気にせずに、ネット上に歌詞を載せましたよね。そうすることで作品の意図を理解してもらうようにに。

JV：そうそう、リークしちゃったんだよね。もう外に出てるんだ。僕も音楽を盗んだ事あるし、やった事が無い人いるのかな。でも、もしそれをするなら、ちゃんと本当の歌詞を読む機会を持ってほしいんだ。オンラインに間違った歌詞が載ってるのが僕大嫌いだから。どういう風に解釈してもらっても構わないけど。少なくとも本物の歌詞でやってほしい。ちゃんと意味があるものなんだから。

PF：あなたは以前作詞家としてかなり慎重でしたが、今では自信を得たように見えます。このアルバムの歌詞製作で一番誇りに思っていることは？

JV:"Calgary"は個人的に本当に成長を感じさせてくれた。型があって、繰り返しのアイディアがあって、良い韻律がある。最初のラインがとても気に入っているんだ。「僕を可愛がって眠りにつかせないでくれ」ここには恋愛の全てが含まれている。誰かを愛する事ができるけど、彼らが絶対的な愛を止めた時、本来の姿を無くしてしまう。危ない事だよね。

PF:誰かとの付き合いに慣れると、あなたはどういう風に自分を保ちますか？

JV：どれだけ誰かを大切にしようと、夜一人になった時にその人がいなくても、自分自身に満足できないといけない。それに気づく事が大事なんだ。君が孤独でエモな男の子だと難しいよね。でも出来るよ。誰もが幸せを持っていないと。もしそれがないなら、誰かと付き合う事なんて出来ないよ。お互いを松葉杖で支え合う事になる。でも、僕は思いっきり間違ってるかもしれないな。【続】

原文→Bon Iver Pitchfork Interview

Part I
Part III
Part IV

Bon Iver Interview Part I Preface

Bon Iver

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by Grayson Currin, posted June 13, 2011

初めてJustin Vernonに紹介された時、それは過去四年間にBon Iverを見た事がある人が感じる景色とある意味で似ていた。彼は何かオーディエンスの前で歌っていて−−−たぶん愛についてだろう−−−彼らは熱心に耳を傾けていた。

しかし2005年の後半、客は少なかったし、アートギャラリーでライブをしていた。現在のBon IverのフロントマンはDeYarmond Edisonとして活動していた。この四人組は数ヶ月前にウィスコンシン州のEau Clairからノースキャロライナ集のRaleighに活動の場を移動していた。DeYarmondはチャンスを掴もうとした古めかしいフォークロックのバンドだった。私は彼らの歌が好きだったが、特に音が良かった。Vernonの豊かなギターの響きと深い味わいの声がPhil Cookのセンスの良いキーボードの音色と合っていて、いまだに何か明確なメッセージを探求している大御所のバンドのように聞こえた。

Raleighでバンドとして活動する間、彼らは一番型にはまらない曲（"Epoch")を書き、同じアートギャラリーで四回のショーを計画する事で音楽の可能性を広げた。私はここで初めて彼らを見た。このライブで彼らはSteve Reich(アメリカのミニマルミュージック家）風の曲と、Naked City(アヴァンギャルドジャズ）のような過激なアクセント、そして一番特筆されるあのファルセットで実験してみせた。その歌唱法が二年後、VernonをBon Iverとして有名にした。

これらのショーは今まで私が見てきたの中で記憶に残る音楽経験になったが、ライブを成功させたミュージシャンとしては、彼らはDeYarmond Edison内部での対立をかなり明確にしていた。VernonはHazeltonと言う良作だが痛々しいEPを完成させたばかりだったし、他のメンバーはさらに奇妙な領域に向かおうとしていた。あの夏でバンドは芸術的なブレークポイントに達した。数ヶ月後、ベーシストのBradley Cook(彼とは私が以前働いていたレコードストアで仕事を得た時に友達になった。）はVernon（その時彼は単核球症と肝臓の病気を患っていた）がまた違う事をしようとしていると気づいた。そしてこう思った。彼はこのバンドにピリオドを打つだろうと。

Vernonは2006年の夏にウィスコンシンに戻った。その前日の夜、彼はFairall Driveで小さいパーティーを開催した。それは彼がChristy Smith（彼のRaleighでの彼女。Emma, Forever Agoに登場する女性の一人でアルバムに参加もした）と住んだ、窓が壊れている小さい重層アパートだ。そこで彼はアルバム収録の良曲を多く書いた。「パーティー」っていうのは間違った言い方だった。どちらかというとBBQの集まりのようで、送迎というよりは断定的なものだった。Vernonは一度もRaleighを愛した事は無く、周辺の環境と状況の苦しみから今逃げ出そうとしていた。DeYamond Edisonは終わったし、Smithとの関係も終わった。一番の友達はMegafaunというバンドを組もうとしていて、彼には故郷に帰った後の計画がほとんど無いように思われた。でも何かしなければならないと分かっていた。

けれどもあの集まりは確かな安心を与えていた。その午後、the RosebudsのIvan HowardがJustinにバンドの三枚目のアルバム、Night of the Furiesを作らないかと提案した。そのレコードはJustinに目的を与え、製作が終わる頃にはウィスコンシンの父親の別荘で何をするかアイディアがまとまっていた。それがもちろん、Emma, Forever Agoを完成させる事であり、この作品によりEverett Sreetの汚い寝室で寝ていた男をスターにまで引き上げた。そして、Bon Iverはこの四年間、徐々にたくさんの熱狂的なファンの前で演奏し,

Vernonはコラボレーションの芸術的な力となった。Kanye West、Collections of Colonies of Bees、Kathleen EdwardsやNicki Minajとのリンクを繋いだのだ。

私が初めてVernonの新作Bon Iver, Bon Iverを聞いた時、すぐに彼の成長に言葉を失った。新しい楽曲の広がりと複雑な作りは今までの作品に競う事ができない。そして彼の声を聞いて安心した事にも驚いた。【他のプレスや販売業者はアルバムのタイトルをBon Iverとしているが、Vernon自身がタイトルはBon Iver, Bon Iverだと指摘している】
彼がFor Emmaを作るために逃亡したときに、彼は悲しい男だった。しかしBon Iver, Bon Iverは彼が音楽界の勇敢なアーティストの一人である事を証明し、2005年の頃には想像できなかったくらい広大なビジョンをもった作曲家であることを知らしめている。昔は誰も来ないようなアートギャラリーの角でコンサートを開いていたというのに。

私は先月サンディエゴのプールサイドにいたJustinと電話で会話した。サンディエゴで彼の父親がNational Academy of Arbitratorsの会議の司会をしているらしい。【続】

原文→Bon Iver Interview, Pitchfork

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David Byrne インタビュー Part II

Pitchfork(以後PF）:Stop Making Senseのライブ映画とツアーで得た偉業を考えると、あなたのパフォーマンスは演劇風であるという点で、バーを高くしなければならないという義務を感じますか？

David Byrne(以後DB）:イエス、そしてノー。確かにあのツアーをどこか演劇風に仕上げたかったけれど、その前のツアーでは僕はストリング隊を使用して、劇的な要素は一つもなかったんだ。音楽の問題なんだよ。だから、僕の予算でどう賄おうかいろいろ考えて、何千万の人間がやった事が無い事をやろうと頑張っているんだ。Stop Making Senseは誇りに思ってる。けれど、ちょっとした飛躍だった。あれと競う事はできないよ。無視する事も出来ないけどね。

PF:あの映画は独自に一人歩きしていますね。

DB:そうだね。ちょっとの間、まるでツアーが絶対終わらないように思えたんだ。映画はずっと観られ続けている。何人もの人が実際のライブショーを見る以上にあの映画を見たんだ。あの映画では、2500人が収容できるシアターで演奏して、アリーナとかスタジアムとかいっぱい人が入るような所じゃなかった。僕らはライブで荒稼ぎするようなバンドじゃなかったけれど、成功していたし楽しかったよ。実のところ、多くの人があれは本物のライブじゃなくて、（監督の）Jonathan (Demme)がステージ上で造り上げたものだと思ったみたい。

PF:Rise, Rise, Roarに移って、あなたのホームスタジオが見れた事とBrian EnoからE-mailで音の要素をもらって、Everything That Happens Will Happen Todayに吸収させているのはとても興味深かったです。インターネットで長距離から誰かとコラボレーションすることの利点と欠点はなんでしょうか？

DB:今はたくさんやっている。最近Will Oldham(Bonnie "Prince" Billy)と何曲かそれをしたんだ。それが一対一だと結構簡単なんだよ。とくに欠点は見つからないな。自分の立ち位置をわきまえて、それぞれの領域に侵略しなければ良いんだ。ある部分で、（ネットを通して）データを行ったり来たりさせるのは、スタジオでのレイヤリングに似ている。けれど、作業を何分かに分けるんじゃなくて、時間と距離を引き延ばしているだけなんだ。

多分あのレコード（Everything That Happens Will Happen today)は僕が観客のサイズを予想できると考えた初めての作品だった。ほとんど自主制作だったしね。だから、レコードをこの方法でつくることで、多額な費用を使わずに済んだ。経費はかなり低かった。だからレコード会社に「録音の費用を払わなければ行けないんです。」って言わなくてよかった。

Stop Making Senseは誇りに思ってる。けれど、ちょっとした飛躍だった。あれと競う事はできないよ。無視する事も出来ないけどね。

PF:スタジオにお金をかけずに、自分がしたいと思うことが出来る機材はそろっているのですか？なにか限界を感じる事は？

DB:まあ、あのアルバムでは本当のスタジオでミックスをしてもらったよ。ブラスや、生のドラムや他の作業、ラップトップじゃやりきれないことをスタジオで録音する期間もあった。僕はバンドが二週間も三週間もスタジオにこもって録音するの見るといつも驚いちゃうんだ。「どうやって払うの？？」ってね。でも僕の友達に、町の外へ出て、NYのスタジオの１０分の一の価格で貸してくれるスタジオを探す奴がいる。そこで録音するんだ。納得だよね。

PF:Byrne/Enoツアーの踊りや振り付けはどれくらい関わったんですか？

DB:僕の提案はかなりゆるかった。最初の方でダンサーっぽい感じに見えるのは嫌だなって行ったのは覚えてるんだけど。なにか達人芸ができるならば、ちょっとずつそれは採用してほしかった。できるだけダンサーをバンドと馴染むようにしたかったんだ。彼らがやっていることは僕らがちょっと筋トレしたら多分できるようなことだから。

実際の振り付けにはツアーが始まるまで無干渉の姿勢を保っていたんだけど、もっといろいろ付け足したかった。（振り付け師の）Annie-Bの僕らがオフィスの椅子を持って回るようなあんなようなやつ。僕らは「オフィスチェアーが舞台裏にいつもおいてあるけど、使っちゃだめ？」って感じだった。そして、ミルワーキーに二人でDeerhoodを見に行って、ライブの最後彼らはギターを持ち上げて15秒間フィードバックがあったんだ。僕は「すごいな、ギターで新しい踊りをやってる。僕らもやろう。」って思った。あとはわかるでしょ。

PF:つまりツアーの途中でどんどん築き上げて行ったと。

DB:そうそう、足して行って、バンドと、歌手と、ダンサーをもっと近づけたんだ。ダンサーの一人がギターを弾いていたって知った時に、「ああ、あの曲ギターをもう一本加える事できるなあ」って言った。僕は色んな物をくっつけるから、一つのグループがどこで終わってまたどこで始まるかわからないんだ。絶対にドラマーは立ち上がって踊ったりしないよ。多分ね。

[完]
原文：Pitchfork David Byrne Interview

Part I
8分のRise,Rise, Roarのクリップ

David Byrne インタビュー Part I

David Byrne インタビュー
by Mark Richardson, June 8, 2011


彼のTalking Headsでの初期の本能的なライブパフォーマンスについて、David Byrneは最近のインタビューで我々に「全てを放り投げて、ゼロの状態から始めたかった」と教えてくれた。伝統を無視した態度で彼は３０年以上もやってきた。パイオニア的な1984年発表のコンサートフィルム”Stop Making Sense"でそれは特に顕著であり、彼はライブを実験的な演劇風の仕立てで行い、一般的なロックコンサートのコンセプトをぶち壊した。

David ByrneとBrian Enoのツアーで2008-2009年のByrneの曲のために、このモダンルネッサンス男は再び驚くほどオリジナルなショーを考案した。奇妙な踊り、世俗的なファンク、しかもオフィスの椅子まで準備していた。この困難なツアーの様子はHillman Curtisという映像監督によって記録され、舞台裏やバンドメンバーへのインタビューを含む、最近DVDにもなったRise, Rise, Roarとして映像化した。マンハッタンの彼の家で、Byrneは我々に初期のコンサートの経験のこと、Stop Making Senseの遺産、そして彼の心が広いステージ上でのアプローチについて語ってくれた。

Pitchfork(以後PF）：あなたがライブパフォーマンスは別に普通じゃなくてもいいと学んだコンサート経験はありましたか？

David Byrne(以後DB）:僕が高校に居た時、凄腕ギタリスト達が組んでたブリティッシュブルースロックタイプのバンドが居て、一曲で３０分間もジャムをしてたんだよね。ああいうギタリストには驚かされたし、僕にはあんな事できないやってすぐに思ったね（笑）あの時代は他にもMemphisやMotownの曲をカバーするバンドをいくつか見たよ。彼らはステージ効果を使っていたんだ。あるバンドは紫外線のライトをつけてね、みんな白い手袋をしているんだ。だから演奏中は白い手袋しか見えない。もうほとんどミンストレルショー※みたいだよね、多分そうだったんだろうけど（笑）でもさ、「あ、あれ見てみろよ！」って、ただのバンドの演奏じゃないから驚くよね。

「Talking Headsを始めようって頃には、僕は全てを投げ出してステージではゼロの状態から始めようって感じてたんだ。出来るだけゼロに近いところまで装飾を外して、そして自分の物にするんだ」

70年代初期には大学ですごいJames Brownのショーを見た事を覚えてる。彼は女性のダンサーを二人かまえて、左右に一人ずつステージ立ってるんだ。Go Goダンサーみたいなかんじで、ただ踊ってるだけだった。僕は、「すごい。彼女達は音楽的にはなにもしてないのに、ショーのためだけにああいった女の子達を雇ってステージに立たせるのが彼にとって大事だったなんてすごいな！」って思ったんだ。メモもとってある。

そしてTalking Headsを始めようって頃には、僕は全てを投げ出してステージではゼロの状態から始めようって感じてたんだ。出来るだけゼロに近い所まで装飾を外して、そして自分の物にしようって。実験的な演劇にはそのもうちょっと後で気づいて、少なくとも僕が見たロックショー全てと同じくらい大きく影響を与えたよ。

PF:僕もそれを聞こうと思っていたんです。というのは、その時代、特にNYでは音楽と、演劇と、パフォーマンスとダンスの境界線というのはあまりクリアでは無かったですから。

DB:全部がぼやけていて、ファンキーだった。アプローチが可能のようだったし、僕にも絶対出来ないはずがないと思った。また、どこか達人的で、完璧主義で本当にかっこよかったんだ。僕はそう言う物に心を惹かれる。

PB:ロックショーのしきたりや定型はかなり決められていて、保守的なのを考えると興味深いです。バンドが出てきて、演奏して、アンコールでまた出てきて、それでおしまい。こういったしきたりに飽き飽きした事はありますか？

DB:時々ね。シューゲイザーやラップトップのせいで、バンドが観客とあんまり接しないっていうのが問題だよ。ある点で、きっと「この人がやってる事素敵。でも次は家でレコード聞いてればいいかな。」ってなるよ。

（ByrneとEnoの）ツアーでは、ダンサーの一人がオクラホマで撮影されたR.KellyのライブのDVDをくれて、僕は見て思ったんだ。「こりゃすごいな」って。もういかれてるよ、ほんとに。六分間女の子達が喘いでるモノローグがあって（笑）、彼は役それぞれに合わせた声でTrapped in the Closet※をやったんだ。「うわ、これはすごい革命的な音楽のステージングだな！しかもロックの世界の事じゃないんだ！」って思った。Trapped in the Closetの演出は気に入ったけど、でもあそこまでやる自信は無いな。

それで、James Blakeを先週見に行って、きっとラップトップ使ってるだろうと思ったんだけど、そうじゃなかった。視覚的なショーではなくて、リアルなパフォーマンスだったんだ。感動したし驚きもした。彼の使うあのロボっぽい単語の繰り返しが積み重なっていって、感情的な呪文になるんだ。ちょっと深く考え過ぎかもしれないけど、ただのエレクトロじゃないっていうのは本当に素晴らしいよね。実際にどこかに人間の心が感じられるんだ。

PF:ほかにあなたが面白いパフォーマンスをやっているなと思う若いバンドはいますか？

DB:最近Nellie Mckayを見たんだけど、彼女は死刑囚監房にいる女についてのキャバレーショーをするんだ。彼女の曲は全部スタンダードで、どこか変だったり、軽い感じがするんだけど、テーマはすべて死についてなんだ。音楽的には、キャバレーの設定に適した物になっているけど、内容がただ場違いな感じがする。彼女が観客の期待をそうやってひっぺり返したのはすごいことだよね。

※Minstrel Showとは通常黒人に扮した白人が黒人の歌や踊りを演じるショー
※Trapped in the ClosetはR.Kellyのミュージカル風の作品でチャプター22まで続くメロドラマ。映像作品としてリリースもされている。

原文：Pitchfork David Byrne Interview

→Part II

Rise, Rise, Roar予告編



※以前のJames Blakeのインタビューで、彼はラップトップが嫌いということを言及しています。
→James Blake Interview Part III

James Blake インタビュー Part III

Pitchfork(以後PF）：今後少しの間、この音楽について話したり、演奏しなくてはならないことに心配していますか？あなたはもう終わった事より、きっと次のステップについて考えるだろうという印象を得たのですが。

James Blake（以後JB）:うん、でもライブは違った物になるから。僕がこの曲達をライブで演奏できることは面白い事だし、とても楽しんでやってるよ。シンプルになっただけじゃないんだ。（トラックを）バックのバンドとすべて置き換えて、生のエレクトロニック音楽を作っている。僕はProphet 08を使っている。世界で一番のシンセサイザーの一つだよ。僕はキーボードプレイヤーで、みんなの前で生で演奏が出来て、今まで僕が出来なかった方法で、自分が大好きな事を実演するのって素晴らしい事だよ。

以前は、コンピュータの後ろでいろいろ操作しないといけないっていう欲求不満があったんだ。まるでサイレントフィルムのピアニストみたいだった。認識してもらいたいっていうわけじゃなくて、ライブで演奏して、自分が出来るってことを示したいんだ。実際僕にとってみんなの前でピアノを弾いて歌う事より良い事はないよ。

PF：あなたのライブを見てわくわくする事の一つに、あなたがどうやってこの曲達をライブとして蘇らせるのかという好奇心があると思うんです。Maida Vale Sessionのバージョンの"The Wilhelm Scream"がとても忠実に再現されていて驚きました。（曲の構築を）成功するために、効果的にリアルタイムで曲が作られていましたから。

JB：そうだね。どうやってやろうか解明するのにかなり時間がかかった。早い段階で、この音楽をライブで作り上げるには、ハードウェアへの投資が大事だと分かっていた。僕、ラップトップが大嫌いなんだ、マジで。使うのは好きなんだけど、個人的にあれにステージの居場所は無いね。あの明るい光を見つめるのはまるで火の中に突っ込んで行く虫みたいなものだよ。

特に複雑な音楽だとね、コンピューターを使うといつも何か間違えてしまう可能性があるんだ。シンセを買って電源に繋げればそんな事は起きない。他に何も心配しなくていいんだ。ただ腰を据えて、自然にしてれば良い。

それに、ライブ演奏はDJするのと違う手順をとる。DJはもっと電車に乗って、到着、特に知らない男とあって、特に知らない場所に行く感じ。実際に演奏するのが最高のパートなんだ。２４時間初めて会う人々と繋がる事が出来るからね。良い事も多いんだけど、ただ自分自身の時間がたくさんあるだけなんだよね。じっくり考える事が出来る。そう言う時、他に何もする事が無いときは歌詞を書くんだ。多分こういう瞬間って僕がちょっぴり、悲しくなる時なんだよね（笑）。

PF：多分反復してるからだと思いますけど、あなたの歌詞は誰かが身体的に動いている時に書かれた歌詞の様な印象を受けるんです。

JB："Lindisfarne"以外、アルバム曲全ての歌詞は電車や地下鉄、飛行機といった乗り物の中で書かれたんだ。飛行機が一番変なやつだったな。なぜって、歌詞を書いている時、喉が実際に乾いてしまうんだもの。歌ってる事を想像しながら書く事さえできないんだ。

PF：旅行と言えば、アメリカについて話しましょう。地形的にかなり大きい場所で、イギリスみたいに一つのシーンで安易に利益を得る事はできないですよね。

JB：インターネットがあるけどね。つまり、僕に世界征服の希望はないんだけど、インターネットのおかげでアメリカのみんなが僕の音楽を気に入ってくれたら、そこでライブしたいんだ。James Blakeの空飛ぶサーカスじゃないよ。もっと、「この音楽を楽しんでくれてる人がいるはずだから、そこに行って演奏しよう！きっと良い時間になるはずさ。」って感じ。でも予定はない。僕のポジションにいるたくさんのアーティストが多分どの国に行こうかスケジュールが決まっているだろうけど、僕らはイギリスでやった事とおなじようにアメリカで仕事（プロモーション）をしているからね。全部自分たちの手でやるんだ。

PF：アメリカでの戦略は、もっとインディー音楽ファンに好まれるアーティスト、例えばAntony and the JohnsonsやBon Iver、ましてやFeistなんかと連絡を取ってみるのがいいのかな、と思いますけれど。

JB：ぼくが彼らにとって重要な意味があるんであれば、見逃しはできないな。Antonyみたいな人に比べられるのは光栄な事だ。あとFeistとBon Iver？素晴らしい仲間に入る事になるね。彼らは驚くほど素晴らしいし、驚くほど良い人たちだよ。

PF：Feistと何かコンタクトをとりましたか？

JB：いや。彼女は一言二言いっただけだった。[ガーディアン紙によると、「FeistはBlakeのマネージメントのからのE-mailに、彼女はBlakeのカバーを一度も聞いた事が無いと答えた。」そうだ。]　実際そんなに気にしてないんだけど。僕がじっと考えるようなことじゃないしね。例えば、PortisheadのGeoff (Barrow)が僕の事について何かコメントしたんだ。[Barrowは最近のツイッターで、「この十年はダブステップがパブシンガーと出会った年として記憶されるんだろうかね？」とつぶやいている]でも、他のアーティストについて反対の意見を出すのは僕が考えるようなことじゃないし。プライベートでは多分何か言ってきただろうけど、アホ臭いツイッターなんかでたくさんの人に言ったりは絶対しないよ。（ツイッターを通して）彼がどういう人間か分かると思うけど、彼のつぶやきで僕の事が分かりはしない。僕は彼の視野に入ったってだけで嬉しいんだ。でも、アメリカに戻ってこのような人たちに囲まれて、もし１２インチのボーカル無し、コーラス無しのビートが乗ったレコードを出したら、もっと大きいニュースになるだろうね。今すぐしようと思っている事なんだけど。

「Joanna Newsomをプロデュースするかって？多分しないな。」

PF:もう新しい音楽をほのめかしていますね。次はどうするか、おおまかなプランはあるんですか？

JB：絶対に一つか二つ発表したい。でもいつになるかは決まってない。

PF：１２インチをいくつか？

JB：うん。ごめん、このビートがなんなのか解明しようとしてるんだ。[BGMの音楽について言及している]。良いプロダクションだね。こういうレコードを普通聴いたりしないんだけど。[Timbalandプロデュースの50Centのシングル、"Ayo Technology" ]　

次のリリースはボーカル無し、ビートのみの１２インチ。一年前ぐらいから僕が掘り下げて行きたかった場所から出るよ。今までは勇気がなくて出来なかったんだ。とても濃くて、とても目が下がる代物だよ。ちょっとパターンの研究に夢中になってしまって、それで二つの曲から出来てるんだ。一つはちょっとうねった不安定な感じで、もう一つのはぼやぼやした感じなんだ。

PF:いつかだれかのためにプロデュースをしようと思いますか？それとも自分で歌えばいいからそれはど意味の無い事ですかね？

JB：まぁ、僕はJoanna Newsomのように歌えないからね。でもJoanna Newsomをプロデュースするか？多分しないな（笑）。僕はこういう「あ、あのプロデューサーを採用しよう。」っていうアプローチを知りすぎているから。なんかプロデューサーとアーティストのお見合いの季節、みたいなのが起こってて僕はそういうのが好きじゃないんだ。

PF：わたしがこの質問をしたのは、答えがあなたがどのように自分をみているかを反映しているからです。あなたは自分の素材を書くシンガーソングライタータイプですか？それとも違ったサウンドを形作ることにもっと興味をもったプロデューサータイプですか？

JB：僕は自分の事をそのときの気分によって違った風に捉えてるんだ。博学者になるってことではないけどね。僕の音楽プロダクションはピアノを弾いていたり歌っているときほど、自然な感じでは無いと思っている。だから、あまり加工されていない曲の方がこの先もうちょっと記憶に残る物になっていくんだよ。

（完）

原文：Pitchfork Interview/James Blake

ちなみにこちらが過去のEPからの二曲です。James Blakeの進化の過程、キャリアの展開がよく分かります。